Se puede definir el período barroco o período clásico, como una corriente artística desarrollada entre los siglos XVII y XVIII, así como el estilo que utiliza los excesivos y claros. Es fácil de interpretar a detalle para originar drama, dureza, alegría y es representado por la magnificencia de la escultura, la danza, la pintura, la literatura, y la música.
La palabra “barroco” nace del antiguo sustantivo “Barroco”, una perla no redondeada pero de forma impredecible y perfilada. Por lo tanto, en uso cotidiano, la palabra barroco puede simbolizar puramente el “elaborar”, con muchos detalles.
Contents
Historia
El origen del barroco ocurrió cerca del año 1600 en Roma, Italia, y se amplió a la mayor parte del continente europeo. En la música, el barroco se emplea al período final de la autoridad restrictiva del contrapunto, donde las distintas voces e instrumentos se hacen eco entre sí, pero en diferentes tonos, a veces alterando el eco, e incluso llegan a invertir el material temático.
Características del Período Barroco
Características Generales
Concebimos por “Período Barroco” el tiempo de la historia entendido aproximadamente entre los años 1600 y 1750, una demarcación hecha por dos hechos significativos referentes a la música: la primera ópera publicada (1600) y la muerte de Johann Sebastian Bach (1750).
Características Artísticas
El semblante artístico irradió puntualmente las características sociales de la época. Algunos aspectos minuciosos de las características en el arte, fueron:
- Abundancia (en cierto término exagerada) de elementos decorativos.
- Explotación y agudización de los contrastes.
- Imitación de la naturaleza.
- Propensión a lo trascendental, a lo solemne y a lo magnífico.
Estas peculiaridades fueron abundantes en casi todas las naciones, pero inversamente de ello, cada una de ellas desplegó su aspecto artístico pendiendo de su organización social y su alineación política y religiosa, fundaciones que profesaron gran autoridad en el progreso del arte.
Características Musicales
Una particularidad significativa fue que los pormenores del arte en el barroco no se destinaron a la música. Se comenzó a rechazar las complejas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía, dando de ésta forma más posición y protagonismo al texto, pues la música rondaba en torno a una única melodía bien desarrollada y cortejada por acordes, para que fuera «entendible» el texto. Esto debido en gran parte a la corriente humanista.
Y a propósito del cortejo, se pensó un sistema de acotación conocido como el bajo continuo. Era una parte para bajo, comúnmente escrita para teclado (dado que casi todo acompañamiento en la música barroca era con órgano o clavecín), con unas cifras que señalaban las armonías exigidas.
Otros hechos importantes del barroco musical fueron el origen del género operístico, la improvisación y las primeras formas instrumentales.
Pensamientos
Johann Sebastian Bach una vez expresó que: “El único objetivo de la figurada bass debe ser otra cosa que la gloria de Dios y la recreación de la mente». Cuando este objeto no se mantiene a la vista, no puede haber verdadera música, pero sólo raspado infernal y que grita”. La música se manejó frecuentemente como un método para establecer un marco misal en el que las almas podían ser llevadas más cómodamente a Dios. Esta idea está de acuerdo con Martin Luther King, quien afirmo que la música emana del espíritu divino y al igual que Dios, tiene un aspecto omnipresente. “En primer lugar y luego, mirando a la música en sí, se dará cuenta de que desde el principio del mundo se ha inculcado e implantado en todas las criaturas, individual y colectivamente. Para nada es sin sonido o armonía.” Lutero creía que “la alabanza a través de la palabra y la música es un sermón en el sonido.”
Los compositores barrocos y filósofos en poder concebían la idea de que la música, la ciencia y las matemáticas poseían relaciones cósmicas. Pitágoras realizó el descubrimiento de la serie de armónicos, con sus propiedades matemáticas, y se convirtió en debatiblemente el develamiento más influyente en la definición de los aspectos teóricos de la música occidental. La idea de una armonía celestial perfectamente metódica procede de la filosofía griega y los escritos de los filósofos cristianos, sobre todo, Severnius Boecio. Estos compendios cósmicos se creía que nacieron de Dios y como tal, y que tenían profundas relaciones espirituales y religiosas.
Compositores
La música barroca forma una parte significativa de la música clásica. Se relaciona con compositores como Henry Purcell, Antonio Vivaldi, Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach, Claudio Monteverdi, Ludwig Van Beethoven, entre otros.
Parauna descripción más clara, se clasificarán los más grandes compositores de acuerdo a su nacionalidad: italiana, francesa, inglesa o alemana.
Italia
Una de las naciones más importantes en el barroco, tanto en el arte como en la música. Los compositores más importantes de la época fueron:
- Claudio Monteverdi (1567 – 1643): Fue el gran maestro de la ópera florentina. Compuso las óperas L’Orfeo (1607), Arianna (1608), La Coronación de Popea (1641), y demás, así como muchos salmos, motetes y madrigales.
- Tomaso Albinoni (1671 – 1750): Violinista y compositor veneciano. Compuso obras instrumentales y muchas óperas que se almacenan inconclusas.
- Arcangelo Corelli (1653 – 1713): Compositor y violinista. Principal representante del Concerto Grosso. Compuso cinco colecciones de sonatas para iglesia y cámara (1681 – 1700) y una de concerti grossi (1714).
- Francesco Geminiani (1687 – 1762): Violinista y compositor. Autor de sonatas para violín y clavecín de concerti grossi y de un método sobre técnica violinística (El Arte de Tocar el Violín, 1731).
- Domenico Scarlatti (1685 – 1757): Organista, clavecinista y compositor. Compuso más de quinientas sonatas para clave, óperas y cantatas. Resaltó por su habilidad en el teclado.
- Alessandro Stradella (1642 – 1682): Compositor y cantante, uno de los máximos exponentes de la escuela napolitana. Ayudó al progreso del aria, el oratorio y la cantata. Compuso San Juan Bautista (1675, oratorio) y Doriclea (1677, ópera).
- Antonio Vivaldi (1678 – 1741): Compositor y violinista de la escuela barroca veneciana. Fue profesor de violín en el Hospital de la Piedad. Junto con Corelli, fuel el más importante representante del concerto grosso y el verdadero creador del concierto para solista. Compuso más de 470 conciertos, unas 45 óperas, unas 75 sonatas, etc. Sobresalen sus Concerti Grossi, en especial Las Cuatro Estaciones, incluidos en El Fundamento de la Armonía y la Invención (1725).
Francia
- François Couperin (1668 – 1733): Fue, junto con el Italiano Scarlatti, uno de los más grandes clavecinistas de la historia. Autor de un método didáctico (El Arte de Tocar el Clavecín, 1716) y de numerosas composiciones (obras para clavecín, corales, sonatas, danzas, etc.).
- Jean-Baptiste Lully (1632 –1687): Compositor francés de origen italiano. Fue el creador de la ópera francesa. Compuso Cadmo y Hermione (1673), Rolando (1685), Armida (1686) fueron algunos de sus trabajos operísticos.
- Jean-Philipp Rameau (1683 – 1764): Compositor renovador de la ópera francesa clásica. Conocido organista y autor de piezas para clave, debutó en el género operístico en plena madurez, con Hipóclito y Aricia (1733); del resto de su producción se recalcan Las Indias Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737).
Inglaterra
- Henry Purcell (1659 – 1695): Fue miembro de una familia de músicos de la corte. Se mantuvo dentro de la rutina contrapuntística, aunque dando más grandeza en sus obras a la melodía. Considerado como el iniciador de la ópera inglesa con su Didos y Eneas (1690), también escribió cantatas, odas, sonatas, y suites instrumentales.
Alemania
Alemania fue la cuna de los más grandes compositores barrocos: JS Bach, GF Haendel y GP Telemann.
- Johann Sebastian Bach (1685 – 1750): Organista y compositor. Fue músico de la corte, organista en Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Gran renovador, elevó la fuga a su máxima expresión, extrayendo de ella todas las posibilidades contrapuntísticas. De su vasta obra cabe destacar numerosos preludios, toccatas, suites, sonatas, partitas, corales: El Clave bien Temperado, los Conciertos de Brandemburgo, el Magnificat, la Pasión según san Mateo, el Arte de la Fuga.
- Georg Friederich Haendel (1685 – 1759): En su extensa producción resaltan óperas (Agripina, 1709; El Pastor Fiel, 1714) y, sobre todo, los oratorios, más dramáticos que religiosos (El Mesías, 1742; Judas Macabeo, 1745).
- Johann Pachelbel (1653 – 1706): Compositor y organista alemán. Fue considerado el antecesor de Bach. Su obra, selecta y dispensa de artificios, comprende cantatas, motetes, fugas, suites, corales. Una obra importante fue Divertimento Musical (1691).
- Georg Philipp Telemann (1681 – 1767): Fue maestro de capilla en Hamburgo. Al igual que Bach, combinó elementos alemanes, italianos y franceses, representando la síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo armónico.
- Sylvius Leopold Weiss (1686 – 1750): Fue el principal compositor para laúd de la escuela del Barroco Tardío. Su extenso número de trabajos que hoy día se conserva es una fértil fuente para guitarristas.
El período barroco advirtió el progreso de la tonalidad diatónica, los compositores e intérpretes de la época desplegaron nuevas estrategias de ejecución instrumental. La música barroca aumentó el tamaño, la diversidad y complicación de la ejecución instrumental, y asimismo instituyó la ópera como género musical. Muchos de los vocablos y conceptos musicales de esta época se hallan aún en uso hoy en día.
Influencias en la Edad Barroca
El historiador del arte alemán Erwin Panofsky hizo un resumen poco halagüeño sobre el movimiento barroco, describiéndolo como una “raqueta señorial”, posiblemente al comentar sobre las desventajas del enmarañado estilo de la época.
En su momento, la fama y el éxito pomposo fue alentado por la Iglesia Católica Romana, que había considerado en la derrota del Concilio de Trento que las artes deben narrar los testimonios religiosos con una intervención directa y emocional.
La aristocracia advirtió el lenguaje teatral de la casa barroca y su perspicacia como un ambiente para sorprender a los invitados y expresar la valentía y el pulido de respeto. Los palacios barrocos se edificaron cerca de una serie de accesos a los juzgados; construidos con recibidores, grandiosas escaleras, salas de recepción y demás habitaciones magníficas presentándose cada una de forma secuencial. En una abundancia de detalles equivalentes, la música, la arquitectura, el arte y la literatura sirvieron de inspiración entre sí en el periodo barroco, que se convirtió en un movimiento cultural donde los artistas investigaron lo que se podía crear a partir de los patrones repetidos y variados.
Evolución del Período Barroco
El Barroco fue antecedido por el Manierismo, el contraste entre ambos movimientos es evidente debido a que, en las pinturas, los gestos barrocos son más desarrollados que los gestos manieristas: menos confusos, menos reservados y disimulados, más como los gestos de la etapa de la ópera, una importante forma de arte barroco.
En la escultura, las posturas barrocas penden de la tensión dentro de las cifras que mueve los planos de los hombros y las caderas en direccionamientos. Se hicieron las estatuas con el propósito para dar la impresión de que estuvieran a punto de moverse.
Comenzando aproximadamente en 1600, el memorándum del nuevo arte dio principio a lo que ahora se conoce como el periodo barroco.
Formas Vocales del Período Barroco
Recitativo
Parte de la ópera donde el texto se «entona» como si fuera narrado.
Aria
Es una composición musical, o una forma, para una sola voz y con un acompañamiento de uno o varios instrumentos.
Cantata
Parte de la ópera donde se varían el cronista y los otros personajes en un acto poético sin acción teatral.
Oratorio
En realidad no es una forma vocal, sino una composición de carácter religioso, también denominado ópera religiosa, en la cual no hay parte teatral, ni de acción, vestiduras adornadas, etc.
Bel Canto
Forma vocal distinguida por autonomías interpretativas, donde el uso del rubato (elasticidad rítmica) y el independiente realce la fue llevando a absurdos excesos. Fue la antecesora de la posterior cadenza en el concierto para instrumento solista.
Formas Instrumentales
El Concerto Grosso
Se procedió de la escritura para grupos. En esta forma musical, uno o varios instrumentos se subrayan en expresos pasajes, en contraste con la ordinariamente pequeña orquesta. Sus iniciales representantes fueron los italianos Corelli y Geminiani, hasta que posteriormente el maestro Vivaldi llevó el concerto grosso a su máximo esplendor. A partir de él, esta forma tuvo por lo general 3 movimientos (allegro-adagio-allegro), y se asentaron las bases de la destreza de los solistas en el futuro.
La Suite
Es un compuesto de bailes contrastantes y por lo general en la misma tonalidad, pero con diferente medida y tiempo. Bach y Haendel le otorgaron a La Suite una estandarización con cuatro danzas principales: allemande, courante, sarabande, gigue, antecedida por una entrada designada como “preludio” u “obertura”. Se definen de la siguiente manera.
- Preludio: La introducción, de vez en cuando, formada por medio de la improvisación sobre un tema rítmico o melódico.
- Allemande: Danza lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y melódico.
- Courante: De ritmo ternario, y carácter animado.
- Sarabande: Danza lenta, majestuosa e imponente. Un módulo infaltable de la suite barroca, con ritmo ternario, con stress o prolongación del segundo beat de cada compás.
Si bien estas cuatro danzas fueron las más importantes, con frecuencia se incluían algunas adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet, y otras.
La Sonata
Es una obra de estructura binaria o ternaria, desarrollada por uno o dos instrumentos, en tres o cuatro movimientos. Coexistían dos tipos de sonata: La Sonata de Camera (sonata de cámara, basada en movimientos de danzas) y La Sonata de Chiesa (sonata sacra, de carácter más serio).
La Toccata
Fundamentalmente se trata de una pieza musical predestinada corrientemente para instrumentos de teclado. Tiene como características sus pasajes destinados a los virtuosos para su exhibición.
Se le asocia estrechamente con la fuga en el Barroco Tardío.
La Fuga
Una obra musical que tuvo su origen en el renacimiento. Radica, en su forma más estricta, en una composición que rueda sobre un tema y su contrapunto, reiterados en diferentes tonos. Es como si la melodía se escapara de una voz a otra en reproducciones perpetuas. Fue Bach el encargado de otorgarle su estructura perfecta.
Posee cuatro secciones
- Exposición: Aparece el tema en cada una de las voces en forma sucesiva. El tema melódico que está en la tónica se le denomina sujeto y al que va en la dominante se le denomina respuesta. A veces hay un tema secundario llamado contrasujeto.
- Desarrollo: Se «retoza» con los aspectos rítmicos y melódicos del tema central.
- Sección Conclusiva: Regresa el tema central en su versión original, pero se advierte la proximidad del fin.
- Coda: Es una pequeña sección que afirma el tono central de la obra para darle su sentido conclusivo.
Para ampliar tus escocimientos del arte y la historia te invitamos a consultar nuestro articulo: Historia y características del periodo Barroco.
Conclusión
Hemos recibido una fuerte influencia del periodo barroco, que con sus ideas y características únicas marcó una referencia cultural en el mundo occidental, y que hoy podemos disfrutar, así como reconocer el valor y esplendor de las obras creadas durante sus años divinos.
